ARTE ABSTRACTO EN LA ARQUITECTURA

 Abstracción en la arquitectura

El término abstracción ha sido utilizado en demasía, frecuentemente de forma inexacta dentro de la arquitectura, pero en su concepto más puro implica una tendencia que ha resultado inspiradora y prolífica en los últimos tiempos. Si hablamos del siglo XX es necesario mencionar el notorio triunfo de la abstracción por sobre la mímesis, entendida esta última como la replicación casi fiel de lo existente.

La abstracción per-se implica algunas variaciones conceptuales según el arte o la ciencia que la incluya en su sistema o cúmulo de nociones, sin embargo, el término tiene una característica inamovible, imperecedera y común a cualquier disciplina que lo utilice, y esta característica apela a lo esencial, en realidad a la búsqueda de los esencial.

La abstracción en la arquitectura es una búsqueda de la esencia, la arquitectura sería inconcebible sin el proceso mental de la abstracción, mediante el cual se ponderan las características de un objeto arquitectónico, de esta forma el grado de abstracción queda determinado por la fuerza y exactitud de la búsqueda, incluso por encima de lo fundamental, como adecuación al lugar, geometría o proporción.

Haciendo un poco de historia, la tesis doctoral de Wilhem Worringer, Abstraktion und Einfühlung, de 1908 vendría a ser el equivalente de la Improvisación de Kandinsky, la cual es el punto de partida del arte abstracto.

Worringer explica que mediante la abstracción, se sustrae al objeto del mundo exterior, alejándolo de toda interdependencia y de esta forma se le acerca a su valor verdadero, inmutable y básico, evitando de esta forma el caos y lo arbitrario, la abstracción termina finalmente acercándonos a la esencia más básica y pura de las cosas.

De acuerdo con el arquitecto indio Pashmeena Vikramjit Ghom del Sinhgad College of Architecture, en su texto “Use of Abstraction in Architectural Design Process” el propósito de la abstracción es simplificar la naturaleza, extraer la lógica primaria para la expresión del diseño.

A través de la abstracción, el poder complejo de los fenómenos naturales se puede reducir, estudiar de forma simplificada y cambiar a posibilidades de diseño dinámico.

El artista primero distingue los fenómenos, o la apariencia de las cosas, y luego a través de la intuición reconoce las ideas de diseño.

Mediante un método de ver, visualizar, dibujar y abstraer, el proceso continúa, en una serie de etapas, para extraer un elemento de diseño básico.

La continuación de las etapas de abstracción conduce a dos direcciones básicas de diseño.

La primera dirección de diseño conduce a un elemento de diseño abstraído para el diseño bidimensional.

La segunda dirección de diseño extiende el proceso de abstracción a un nivel superior para arquitectura y diseño tridimensional.

Estas dos posibilidades de diseño parten de la naturaleza, pero cada etapa del proceso deja a la naturaleza más alejada; así como un cuerpo puede morir, el espíritu vive.

En el proceso de diseño, cuantas más repeticiones, más se obtiene de la naturaleza. Al final, no queda mucho de la naturaleza, pero lo que queda es el espíritu, la fuente misma.

El poder de la abstracción procede del espíritu de la naturaleza, a la creatividad de la mente humana, y finalmente a una forma de arte.

Pabellón Barcelona de Mies van der Rohe

La abstracción en la arquitectura se diferencia de aquella perteneciente al arte en algunos puntos concretos, en arquitectura la abstracción ha de ajustarse a algunos planteamientos iniciales, utilizar los medios disponibles y depender de la posibilidad de materializar el concepto en una construcción final, sin esto, obviamente la arquitectura sería un sinsentido.

Improvisación de Kandinsky

Ejemplos de lo que ha generado la abstracción en la arquitectura son la Casa Shroeder en Utrecht del genial Gerrit Rietveld y el Pabellón Barcelona de Mies van der Rohe, ambos casos con grandes ventanales, relación fluida y amplia entre exterior e interior y horizontalidad de asimetría en voladizos y zócalos, ambos ejemplos pertenecen al neoplasticismo en el que la casa tradicional con esquema de caja cerrada se reemplazó con elementos abstractos y maquinistas.

ARTE ABSTRACTO EN LA ESCULTURA

 ESCULTURA ABSTRACTA

A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor franco alemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomorfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.

                                                                     Hans (Jean) Arp

Escultor, pintor y poeta francés, nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo, y formó parte de varias de las más destacadas vanguardias artísticas del siglo XX. Estudió arte en Weimar y París entre 1905 y 1909 y después permaneció pintando en Suiza varios años. En 1912 participó en el grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter (El jinete azul). La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos. En 1916 fue uno de los fundadores del revolucionario movimiento dadá en Zurich. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente. En 1924 Arp se trasladó a París, donde se unió a los surrealistas y elaboró bajorrelieves de madera pintada y construcciones de cartón humorísticas. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales. Ejemplo de sus formas suaves y biomórficas es Concreción humana (1935; versión en piedra, 1949, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Trabajó al mismo tiempo en gouache, collages, grabados y litografías. A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo. Al ser bilingüe, utilizaba el nombre de Jean cuando escribía en francés y el de Hans cuando lo hacía en alemán.

OBRAS

ANTOINE PEVSNER: 

(18 de enero de 1888 – 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Orel, Rusia, hijo de un ingeniero.

Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla.

En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo. Durante la guerra permaneció en Oslo; volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú.

  En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad. En 1923 visitó Berlín, donde conoció a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandonó la pintura y se volcó en la escultura constructivista. Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930. En París, Pevsner y Gabo lideraron el grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se expusieron en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

OBRAS

 

 

 

NAUM GABO

 Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. Nació en Briansk y cambió su nombre (Naum Pevsner) para evitar confusiones con el de su hermano, Antoine Pevsner, que también era artista. Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, pero este año comenzó a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide. Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo; al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923, Museo de Arte Moderno, Nueva York), de cristal, metal y plástico. Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943, Colección Phillips, Washington), en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez, están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon. En 1946 se afincó en Estados Unidos. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.

OBRAS

EDUARDO CHILLIDA

Escultor y grabador español nacido en San Sebastián. Junto a Jorge Oteiza, es el escultor vasco más destacado del siglo XX, continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Tras abandonar sus estudios de arquitectura, recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro. En 1948, se trasladó a París donde trabó amistad con Pablo Palazuelo y comenzó a modelar obras figurativas, en terracota, temática que abandonó pronto para, a partir de 1950, concentrarse en la abstracción. Su primera exposición individual fue en Madrid, en 1954, en la galería Clan y fue la primera muestra de escultura abstracta que se realizó en España. Tras ésta, es invitado por el arquitecto Ramón Vázquez Molezún a participar en el pabellón español de la Trienal de Milán de ese año, en la que obtuvo el Diploma de Honor. En sus comienzos utilizó preferentemente el hierro y la madera, e introdujo posteriormente otros materiales como el hormigón, el acero, la piedra e incluso el alabastro, que le interesaba por su cualidades lumínicas. A partir de los años 1970 Chillida observa la naturaleza y busca en ella la inspiración para sus formas. Desde la década de 1980, se ha especializado en la instalación de piezas de grandes dimensiones, que se integran en espacios urbanos o en inmensos espacios naturales abiertos, y que contraponen armónicamente la masa y el vacío, caracterizándose por una sencilla geometría en la que las superficies rugosas o pulimentadas alternan dinamismo con esteticidad. En su destacada faceta de grabador —procedente de su interés continuado por la obra sobre papel, a la que ha conferido en ocasiones volumetrías propias de la escultura—, destacan las estampas realizadas para el poemario de Jorge Guillén, Más allá. O las que realizó para una obra del filósofo Martin Heidegger, en 1959, año en el que participó en la II Documenta de Kassel. Posee el Premio de las Artes de Francia, el Premio Príncipe de Asturias, concedido en 1987, y es académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

RELACIÓN ENTRE COLORES ABSTRACTOS

 Está claro que cada color nos evoca sentimientos distintos pero, ¿Cómo lo gestionamos cuando vemos varios colores a la vez, como por ejemplo, en un óleo abstracto? Una composición de colores se basa en el principio de armonía cromática dónde cada tono tiene una función. Por ello se dividen en tres grupos diferenciados:

Dominante: 

aquel color neutro y más extenso, frecuentemente usado como fondo blanco o gris. Su función es destacar los otros colores de la composición, normalmente los opuestos.

Tónico: 

Complementa al tono dominante y es el más llamativo de la composición por su valor y potencia.

Mediador:

 Actúa como “puente” entre los dos anteriormente citados, creando una especie de transición entre ambos. También suele inclinar la balanza para que una composición sea mayoritariamente fría o cálida.

En el ejemplo  tenemos un óleo tríptico de franjas horizontales, con las siguientes características: Presenta un color dominante (o neutro) mediante el empleo de blanco en los márgenes y tonos ocres en el centro. Estos colores sirven para resaltar los colores tónico y mediador de la composición.

La franja azul que cruza la parte central sería el tónico, destacando sobre todos los colores del óleo. Por otro lado, la zona superior pintada en suave aguamarina, hace de mediador entre el azul y el blanco, determinando que la balanza de temperatura tienda hacia la zona fría del espectro cromático.

PALETA DE COLORES ABSTRACTOS

Cuando hablamos de la paleta de color que utiliza un óleo, nos referimos a la mayor o menor amplitud del espectro cromático que emplea. Una paleta de color amplia utilizaría indistintamente todos los colores disponibles del espectro. Al contrario, una paleta de color reducida (a menudo llamada monocromática) utiliza un solo tono en diferente saturación. Como ejemplo tienes los cuadros que emplean únicamente blancos, negros y grises.

el típico círculo cromático con la división de los colores en los más representativos. Una forma de dividir y categorizar los mismos es a través de la temperatura del color: El lado izquierdo corresponde a los tonos fríos, mientras que el derecho contiene los cálidos.

Mediante esta distinción podemos decir que un cuadro abstracto tiene tendencia hacia los colores cálidos si tiene mayor presencia de color hacia ese lado. Pero, en la práctica, los colores fríos y cálidos se mezclan y complementan.

Emplear únicamente colores fríos (o cálidos) en un cuadro da la apariencia de algo plano y falto de tensión. Es por ello que se utilizan en combinación colores de temperaturas opuestas: De esta forma crea una tensión visual atractiva y además el color principal destacará más por tener cerca a su complementario.

un ejemplo perfecto de como se emplea el color para crear abstractos: Utiliza principalmente azules, violetas y verdes, colores catalogados como fríos. Al incluir el contrario amarillo, crea una contraste de temperatura y visual por la cercanía de dos tonos opuestos del espectro cromático.

COLOR ABSTRACTO ROJO Y SIGNIFICADO

El rojo es uno de los colores cálidos por excelencia. Se le atribuyen valores como pasión, vigor, poder, fuerza y dinamismo. Es un color muy utilizado para llamar la atención y es muy útil para dar vivacidad a un determinado espacio.

Aunque no hay que caer en el exceso, ya que al ser un color llamativo puede resultar incómodo. Tampoco es recomendable usarlo en dormitorios, siendo preferible tonos más suaves y conciliadores. Por ello, el rojo es ideal en salones de colores neutrales dominantes al convertirse éste en tónico y protagonista.

COLOR ABSTRACTO ÁMBAR Y SIGNIFICADO

A camino entre el amarillo y naranja, el ámbar es uno de nuestros colores preferidos al mantener un buen equilibrio entre ambos. Evoca sobre todo belleza, sensualidad, optimismo y alegría. Se utiliza en pequeñas cantidades ya que al igual que el rojo es un color que en exceso puede llegar a cansar.

En el óleo superior el ámbar se combina con naranja, utilizando el azul como contrapunto cromático y las zonas plateadas como tono neutro.

COLOR ABSTRACTO PLATA Y SIGNIFICADO

El plateado es también uno de nuestros colores fetiche, motivo por el que está incluido en la lista. Es un color que transmite modernidad, sofisticación y elegancia. Al ser un color tónico es usado en pequeñas cantidades y sirve para dar énfasis a determinadas formas y texturas.

Arriba se observa un óleo con algunos detalles en plata ayudan a resaltar las formas, como el círculo inferior. Combina muy bien con colores neutros como grises o negros: cuanto más oscuros son, más visibilidad tiene el plateado.

COLOR ABSTRACTO TURQUESA Y SIGNIFICADO

Se dice que entre el azul y el verde está el color turquesa. Últimamente está muy de moda, junto con el tono aguamarina (que posee más verde y menos saturación). Como color frío que recuerda al mar, es envolvente, refrescante y tranquilizante. Recomendable utilizarlo tanto en salón como en dormitorio.

Arriba os presentamos un ejemplo de un bonito óleo abstracto con un color tónico turquesa acompañado por los tonos mediadores verde y gris sobre un fondo neutral blanco.

COLOR ABSTRACTO VIOLETA Y SIGNIFICADO

Por último contamos con el color violeta, también llamado púrpura o morado. Es un color que simboliza, entre otros la extravagancia y la rareza, su simple uso ya denota una personalidad marcada. Nos gusta su uso en cantidades pequeñas, como acostumbramos a hacer con todos nuestros diseños.

En el ejemplo vemos un bonito óleo abstracto que combina a partes iguales amarillo y violeta. Para el óleo se ha decidido poner énfasis en el violeta como color tónico: haciendo de tono mediador encontramos trazos plateados.

Como siempre, esperamos que el artículo te haya resultado útil y entretenido. Podrás encontrar diseños abstractos ordenados por su color principal a través del menú de navegación superior, en la pestaña "colores". ¡Hasta la próxima!

MOVIMIENTOS DE ARTE ABSTRACTO

Abstracción Lírica : 

Expresionismo Abstracto 

Wassily Kandinsky, quien pertenecía a la vanguardia expresionista, ilustra la abstracción lírica mediante manchas y líneas orgánicas, con grandes contrastes de color, al cual relacionaba con la música; incorporando más tarde alguna geometría a sus obras. Por su relación con el expresionismo, sus obras alejadas de la figuración reciben el nombre de expresionismo abstracto, homónimo  del movimiento  que  convocará  a muchos  artistas  en la  década  del  50

Rayonismo:

El rayonismo propone la descomposición del tema en haces de líneas oblicuas, una especie de rayos de luz de diferentes tonalidades. Da especial importancia a la luz, el color, el tiempo, y el dinamismo. Los pintores destacados fueron: Natalia Goncharova y Mijail Lorionov

Abstracción Biomórfica:

Subrealismo Abstracto 

El subrealismo abstracto se basa en el automatismo psíquico, donde la mente se libera conscientemente de las imágenes y surgen formas planas realizadas con pocos trazos. Joan Miró elaboró un lenguaje de signos y bio-formas, con colores puros.

Orfismo  

La flexibilización de la disciplina cubista, y el papel fundamental del color en la práctica pictórica, donde formas y colores poseen una especie de poder expresivo independiente de toda referencia a formas y colores de la realidad, constituyen los fundamentos del rayonismo. Robert Delaunay, Frantisek Kupka y Sonia Delaunay convirtieron el color en el principal medio de expresión, percibiendo analogías entre abstracción pura y música.

Abstracción Geométrica:       

  Neoplasticismo 

El neoplasticismo trata  de  crear  equilibrio  y  armonía,  con elementos plásticos  mínimos:  líneas ,  por  lo  general   verticales  y  horizontales ; colores primarios puros; el blanco y el negro. Se inspira en la naturalezay la abstrae gradualmente para llegar a la “verdad”, desprovista de toda subjetividad, así consigue composiciones de neto corte geométrico.   Piet Mondrian y Teo Van Doesburg son sus máximos exponentes.

Constructivismo 

El constructivismo valoriza la técnica y el proceso tanto como el producto terminado. Está asociado a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente. Aunque existe un predominio de  lo tridimensional, los constructivistas se dedicaron al diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones. Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz. Aparecen elementos (algunos transparentes) de formas geométricas, lineales y planas. Usa, preferentemente los colores anaranjado, rojo, azul, amarillo, negro y blanco. Su referentes fueron: Vladimir Tatlin, Lazlo Lissitky y Naum Gabo

Suprematismo

Las composiciones suprematistas de Malevich, realizadas todas entre 1915 y 1922, presentan formas estereométricas de diverso color sobre la superficie del lienzo, generalmente blanca. Llega a reducir las formas a un solo cuadrado (negro, rojo o blanco) de gran tamaño sobre el fondo, aunque otras veces sus cuadros suprematistas ostentan policromías y una mayor complejidad formal. El pintor pretendía "liberar al arte del lastre del mundo de las cosas".

CARACTERISTICAS DEL ARTE ADSTRACTO

 

El arte abstracto o abstraccionismo reúne un conjunto de movimientos diferentes entre sí. Aun así, podemos resumir algunas características fundamentales compartidas.

Renuncia al figurativismo o naturalismo

El arte abstracto renuncia por completo al figurativismo al prescindir de representar objetos reconocibles. De esta manera, atesta un golpe contra la tradición occidental que, hasta el siglo XIX, se basaba en la imitación de la naturaleza.

Protagonismo de los elementos plásticos

En el arte abstracto, el protagonismo lo tienen los elementos plásticos en sí, sobre los cuales se carga todo el peso significante. La línea, el punto, el color, el plano, la geometría (plana o espacial), el material y la composición son el foco de interés del artista, y no meros recursos para referir elementos externos a la obra.

Espíritu contemplativo centrado en lo estético

El arte abstracto promueve un espíritu contemplativo ante las formas artísticas en sí mismas, una contemplación capaz de apreciar y acoger la dimensión estética de una obra como un valor autosuficiente.

Liberación del arte respecto del tema

Al eliminar el referente, esto es, al renunciar a la representación de objetos, el abstraccionismo libera al arte de la subordinación al tema. Con ello, afirma la posibilidad de que sea valorado con absoluta autonomía. De este modo, deja atrás la idea de trascendencia artística asociada a los grandes relatos (religión, mitología, historia e, incluso, narrativas psicológicas en algunos casos).

Libertad compositiva

El enfoque del arte abstracto favorece la originalidad y la libertad absoluta de los artistas en materia de composición plástica. Por ello, el abstraccionismo agrupa tendencias totalmente diferenciables entre sí que, además, han logrado impactar en la cultura visual contemporánea.

TIPOS DE ARTE ABSTRACTO

1.- Abstraccionismo geométrico

El arte abstracto geométrico tuvo una gran influencia del movimiento cubista y del futurista, con el uso de formas geométricas y con una característica más racional y dura en las representaciones. Las líneas y los colores se utilizan para representar y formar figuras geométricas.

Abstracción geométrica, estructural o racional

La abstracción geométrica es aquella que se basa en la racionalización geométrica y matemática de las formas. De acuerdo a Víctor Guédez en su llibro Aproximación y comprensión del arte contemporáneo, "responde a precisas estructuras lógicas y calculadas". Este tipo de planteamientos aleja a la a abstracción geométrica de los principios de intuición y expresividad propios de su antecesor, el abstraccionismo lírico.

2.-Abstraccionismo informal

El arte abstracto informal tiene características diferentes. El abstraccionismo informa fue muy influenciado por el movimiento expresionista.

La técnica ha producido que las características presentes como la presencia de elementos más emocionales, así como más libertad en la forma de expresión artística.

En el arte abstracto informal, al contrario de lo que sucede en la geométrica, los colores y las formas usadas representan el universo interno de emociones, sentimientos o sensaciones.

Abstracción lírica, informal o emotiva

La abstracción lírica abarca todos los estilos abstractos que utilizan elementos libres, sin procesos estrictos de racionalización geométrica o matemática, es decir, sin reglas predefinidas. En estos estilos prevalece la expresividad, la intuición y, con frecuencia, la espontaneidad.